Blekk, kaffe og bladgull

Trine Grimm fra Haugesund er en ledende norsk tatovør og har lagt igjen kunsten sin på kjente personer som Lena Dunham, Stordalenfamilien, bandmedlemmene i Satyricon, Mayhem og Turboneger. Hun gjør billedkunst på siden og hadde sin første soloutstilling i 2013, og har siden gjort mange kunstneriske oppdrag for blant annet festivalene Copenhell, Høstsabbat og Tons of Rock. I 2019 hadde hun også kunstutstilling i Texas.

Leardini uses his unique aesthetic sensibility to capture the human body entwined with the timeless Scandinavian landscape.

Utstillingen “Hjemkomst”, resulterte i tre installasjoner med tegning, digital vev og plast skulpturer som ble vist på Bomuldsfabriken Kunsthall i Arendal. “Hjemkomst” handler om å møte egne minner på nytt. I prosjektet tar jeg utgangspunkt i personlige minner og den subjektive oppfatningen av det som en gang var. Med minner fra barndommen kombinerer jeg opplevelser av ubehag. Historiene jeg ønsker å fortelle handler om mellommenneskelige relasjoner og kan strekke seg fra historier om vennskap til maktmisbruk i asymmetriske relasjoner. Gjennom materialer bearbeider jeg opplevelser, som gjør at jeg kan endre og ta kontroll over historien og fortelle den fra mitt perspektiv og forhåpentligvis skape en ny mening. Materialet jeg jeg i hovedsak arbeider med er plasten polymorph har jeg arbeidet med i mange år og resirkuleres i mine prosjekter ved at den på 60 grader kan smeltes om og gamle skulpturer helt eller delvis kan videreføres og kombineres på nytt i nye arbeider. Det er viktig for meg å fornye hvordan jeg arbeider med plasten gjennom å bruke nye teknikker, endre hvilke materialer jeg kombinerer den med, samt eksperimente med farger, lyssetting og kontekst.

Materialer: Plast, glass, kattemynte Størrelse: ca 70 x 20 cm

Ali Gallefoss is a Norwegian artist and furniture designer. As a design student at Oslo National Academy of the Arts, he explores with material and techniques from traditional arts and crafts. As a former buyer for the progressive fashion retailer Vincci, Gallefoss refers to fashion as fun, provocative and political. He brings references from fashion into his work, claiming that his art is not archetypal Nordic design. Where others see limitations, Gallefoss sees his path.

Gallefoss is also known for his exclusive collaboration with the fashion brand Holzweiler at Oslo Fushion Festival in 2019.

"Scolds Bridle (Red on Black)" cut-in collage med silhuetter av fuglen i Twitters logo sammen med en "skammaske" (Schandmaske) fra europeisk middelalder/tidlig moderne periode; en type gapestokk ment for, i dette tilfellet, å straffe "sladrekjerringer".

I min kunstneriske praksis er jeg opptatt av det såkalte hverdagslivet, og kvaliteter og skjønnheten med det livet. I arbeidene mine portretterer jeg hverdagslige steder og landskaper.  

Jara jobber med skulptur, maleri, installasjon og tekstile kollasjer. En poetisk tilnærming til form og farge, og hva det kan vekke sanselig og utstråle. Arbeidene mine bærer erindringer om naturens syklus gjennom et abstrakt organisk formspråk. Et ønske om å komme nært det vi konstant er omgitt av og den evige forandringen som skjer hele tiden, syklisk tidsforståelse, underbevissthet og drømmer. Dette kan vise seg gjennom en form som skildrer en bevegelse, som er fryst i tiden, taktiliteten i materialet og samtalene skulpturene seg i mellom. 

Ventura, 2021, er arbeid som tilhører en pågående produksjon av en ny fotografisk serie. Arbeidene i serien handler om representasjon, tildekking og manipulasjon av bildet på ulike måter. Mennesket representeres flersidig. Thyra representerer et menneske med mange ansikter, bundet opp av mange forskjellige konsepter (ideer). Den nattlige sensuelle, drømmende siden av mennesket, møter dagens edruelige, rasjonelle og pliktoppfyllende side. Et viktig element i oppbyggingen av arbeidene som serie er det poetiske som oppstår mellom motivene, og i møte med tilskuer. Poesi betyr å skape. Diktet, eller i dette tilfellet bildet, blir en slags tankemaskin som produserer og skaper noe i møte med den som ser.

Walk within you - Serien er en samling landskapsfotografier som utforsker mediumets muligheter som teknikk og som forvalter av minner. Landskapene er kulisser for tidligere opplevelser og minner, fotografiene er skutt analogt en gang hver og gir nye assosiasjoner. Deretter er de tegnet fysisk og digitalt.

cornerwoodshelf.obj har utgangspunkt i en 3d modellert objekt lastet ned fra nettet. Den opprinnelige modellen var i et mørkt treslag og ment for at det skulle henges på veggen. Modellen ble delt opp i flere seksjoner som så ble skåret ut i bokpapp med en laserskjærer. Etter at alle delene ble satt sammen bygges det lagvis med gips rundt formen. Opprinnelig er den ment å henge på veggen i et hjørnet. Nebil jobber ofte med møbeltypologier som motiv for sine arbeider. Hjørnehyllen som møbeltypologi er ikke så vanlig lenger.

Vi vil falle sammen, er laget av plast, glass og kattemynte.

For 2020 har jeg arbeidet med utstillingen “Hjemkomst”, som resulterte i tre installasjoner med tegning, digital vev og plast skulpturer som ble vist på Bomuldsfabriken Kunsthall i Arendal. “Hjemkomst” handler om å møte egne minner på nytt, som kombineres med opplevelser av ubehag. Historiene handler om mellommenneskelige relasjoner og kan strekke seg fra historier om vennskap til maktmisbruk i asymmetriske relasjoner. Gjennom materialer bearbeides opplevelsene, som gjør at jeg kan endre og ta kontroll over historien og fortelle den fra mitt perspektiv og forhåpentligvis skape en ny mening. Materialet jeg arbeider med er plasten polymorph som resirkuleres i mine prosjekter ved at den på 60 grader kan smeltes om og gamle skulpturer helt eller delvis kan videreføres og kombineres på nytt i nye arbeider. Det er viktig for meg å fornye hvordan jeg arbeider med plasten gjennom å bruke nye teknikker, endre hvilke materialer jeg kombinerer den med, samt eksperimente med farger, lyssetting og kontekst. 

“Soft, hard, soft, hard”, er et forsøk på å observere hvordan vi kan være motstridende skapninger, med sterke drakrefter i flere retninger. Å defineres som hard eller myk, stoisk eller dramatisk, rolig eller aggressiv kan være misvisende og mangelfullt. Arbeidet er en undersøkelse i hvordan vi tolker blant annet vekt og tekstur på en fotografisk overflate, og hvordan det kan oppstå harmoni i kontrastene gjennom lignende egenskaper i deres skjelett og form.

"Mitt kunstnerskap består av tablåer som eksisterer i skjæringspunktet mellom folke- og forbrukskultur, som i all hovedsak er sanket gjennom ferder som sykkelbud i Oslo og sykkelturer i Norge. De viser til situasjoner hvor enkeltmennesker forsøker å prege produkter og situasjoner som ikke synes i behov av noen form for (ytterligere nivå av) subjektivitet eller situasjoner som tilhører en avsender med mer autoritet; de er de oppmuntrende ord på langssiden av en sliten skolebuss eid av en kristen ungdomsklubb; skulpturer grovskåret med motorsag som fortvilet forsøker å animere eller illustrere livet langs sjøkanten ved en norsk innsjø; eller den forhastede graffiti som krever oppmerksomhet i senter av et billboard som er kostbart produsert og plassert. De tilkjennegir et personlig handlingsrom i et offentlig rom som virker tiltagende regelbundet og kommersialisert, og en utvidet empati på vegne av det personlige, i hele spekteret av inderlighet, underfundighet og platthet.

Jazztegningen handler om å fange energien, streken og musikkgleden. Den åpne musikken åpner også tegningen, blyanten ligger litt løsere i hånda og det blir lettere å kaste ut streker på papiret. I og med at jeg jobber såpass kontrollert i maleriene mine, er dette en deilig øvelse. Frederick lytter dessuten annerledes og mer konsentrert til musikken når han tegner, han responder på det musikerne foretar seg i større grad enn å bare sitte og høre på. På en god dag ligner skissen på musikerne, men det er ikke et poeng i seg selv - det koker i bunn og grunn ned til energien og streken. Så enkelt.

Andreas Røysum, ildsjel bak Motvind-festivalen (eller skal vi si bevegelse), på evig åndelig søken og bla. inspirert av den spirituelle frijazzen fra 60-tallet.

Jara jobber med skulptur, maleri, installasjon og tekstile kollasjer. En poetisk tilnærming til form og farge, og hva det kan vekke sanselig og utstråle. Arbeidene bærer erindringer om naturens syklus gjennom et abstrakt organisk formspråk. Et ønske om å komme nært det vi konstant er omgitt av og den evige forandringen som skjer hele tiden, syklisk tidsforståelse, underbevissthet og drømmer. Dette kan vise seg gjennom en form som skildrer en bevegelse, som er fryst i tiden, taktiliteten i materialet og samtalene skulpturene seg i mellom. 

Ina utforsker mobbmentalitet og gruppementalitet og mener kunsten må kunne teste grenser. Det er basert på egne erfaringer med mobbing, utestenging og lignende i barndommen. Samtidig synes hun motivene er et godt bilde på samtiden vår i dag, som hun mener er veldig preget av gruppetenkning og gapestokkultur.

Ina har bla. hatt soloutstillingen «Escapegoat!» på LNM.

This painting is from a painting series, in which I create a form called Anal Daisy. In Chinese, daisy is slang of a youthful anus. In this project, I explore the state when a certain desire is formalized literally, and becomes another different gesture of longing and a joke at the same time

Jazztegningen handler om å fange energien, streken og musikkgleden. Den åpne musikken åpner også tegningen, blyanten ligger litt løsere i hånda og det blir lettere å kaste ut streker på papiret. I og med at jeg jobber såpass kontrollert i maleriene mine, er dette en deilig øvelse. Frederick lytter dessuten annerledes og mer konsentrert til musikken når han tegner, han responder på det musikerne foretar seg i større grad enn å bare sitte og høre på. På en god dag ligner skissen på musikerne, men det er ikke et poeng i seg selv - det koker i bunn og grunn ned til energien og streken. Så enkelt.

Tore Brunborg, fra Trondheim, veteranen blant disse, fikk Buddyprisen i 2012 og kanskje mest kjent gjennom bandet Masqualero, med Nils Petter Molvær, Arild Andersen, Jon Christensen og Jon Balke.

B&W fotogravyrstrykk, som er gjort i samarbeid med den medisinske fakultet på Oslo Universitet.

“Good News” ble laget og håndtrykket på Reykjavik, Island. Prosjektet er Jenny sitt første Risograph (En japansk trykke teknikk) og illustrasjonene viser til hendelser og personer i hennes eget liv. Som generelt i virket, baserer hun malerier og illustrasjoner på minner og faktiske mennesker. Hver enkelte bok i Good News er unik, både i farge og varier noe i hvilke illustrasjoner som er laget sammen. Tittelen og de lekne fargene er ment som en oppløftende kommentar til den ellers til tider ganske triste verden vi befinner oss i. 

B&W fotogravyrstrykk, som er gjort i samarbeid med den medisinske fakultet på Oslo Universitet.

Leardini uses his unique aesthetic sensibility to capture the human body entwined with the timeless Scandinavian landscape.

Walk within you - Serien er en samling landskapsfotografier som utforsker mediumets muligheter som teknikk og som forvalter av minner. Landskapene er kulisser for tidligere opplevelser og minner, fotografiene er skutt analogt en gang hver og gir nye assosiasjoner. Deretter er de tegnet fysisk og digitalt.

Clearing, 2020, er arbeid som tilhører en pågående produksjon av en ny fotografisk serie. Arbeidene i serien handler om representasjon, tildekking og manipulasjon av bildet på ulike måter. Mennesket representeres flersidig. Thyra representerer et menneske med mange ansikter, bundet opp av mange forskjellige konsepter (ideer). Den nattlige sensuelle, drømmende siden av mennesket, møter dagens edruelige, rasjonelle og pliktoppfyllende side. Et viktig element i oppbyggingen av arbeidene som serie er det poetiske som oppstår mellom motivene, og i møte med tilskuer. Poesi betyr å skape. Diktet, eller i dette tilfellet bildet, blir en slags tankemaskin som produserer og skaper noe i møte med den som ser.

Jazztegningen handler om å fange energien, streken og musikkgleden. Den åpne musikken åpner også tegningen, blyanten ligger litt løsere i hånda og det blir lettere å kaste ut streker på papiret. I og med at jeg jobber såpass kontrollert i maleriene mine, er dette en deilig øvelse. Frederick lytter dessuten annerledes og mer konsentrert til musikken når han tegner, han responder på det musikerne foretar seg i større grad enn å bare sitte og høre på. På en god dag ligner skissen på musikerne, men det er ikke et poeng i seg selv - det koker i bunn og grunn ned til energien og streken. Så enkelt.

Johan Berthling, fra Stockholm, forbindes kanskje mest med trioen Fire! som han startet sammen med Mats Gustafsson, og som gis ut på norske Rune Grammofon.

Ina utforsker mobbmentalitet og gruppementalitet og mener kunsten må kunne teste grenser. Det er basert på egne erfaringer med mobbing, utestenging og lignende i barndommen. Samtidig synes hun motivene er et godt bilde på samtiden vår i dag, som hun mener er veldig preget av gruppetenkning og gapestokkultur.

Ina har bla. hatt soloutstillingen «Escapegoat!» på LNM.

“Movements” er et analogt 35mm fotografi som ble tatt en kald søndags morgen, januar 2021. Ofte tar jeg kamera med meg på en derivèe og dokumenterer objekter, øyeblikk og andre hendelser som skiller seg ut. Noe som fester seg ved blikket mitt. Dette går generelt igjen innen praksisen min og denne turen langs Akerselven fanger isen som har lagt seg. 

Ina utforsker mobbmentalitet og gruppementalitet og mener kunsten må kunne teste grenser. Det er basert på egne erfaringer med mobbing, utestenging og lignende i barndommen. Samtidig synes hun motivene er et godt bilde på samtiden vår i dag, som hun mener er veldig preget av gruppetenkning og gapestokkultur.

Ina har bla. hatt soloutstillingen «Escapegoat!» på LNM.

Julia Pauline Boracco Braaten (født 1991 i Oslo) er en norsk samtidskunstner som arbeider med tekstil og maleri. Tematikken baseres ofte på idéer om indre vekst og forfall, samt de moralske gråsoners konflikter mellom individuell og kollektiv fremgang, sett fra et filosofisk og antropologisk perspektiv og formidlet gjennom stilistiske motiver.

Serien består av 5 motiver som formidler lyd og lys i samspill. Mørket og lyset som er avhenging av hverandre for å eksistere. Lyden som er avhengig av stillheten for å høres. Kunstfoto.

Julie Hrnčířová was born in the Czech Republic. She is a young artist photographer living and working in Oslo. She graduated with a master degree in photography at the Ecole Nationale Supérieure de la Photographie in Arles, France, in 2018.

“Good News” ble laget og håndtrykket på Reykjavik, Island. Prosjektet er Jenny sitt første Risograph (En japansk trykke teknikk) og illustrasjonene viser til hendelser og personer i hennes eget liv. Som generelt i virket, baserer hun malerier og illustrasjoner på minner og faktiske mennesker. Hver enkelte bok i Good News er unik, både i farge og varier noe i hvilke illustrasjoner som er laget sammen. Tittelen og de lekne fargene er ment som en oppløftende kommentar til den ellers til tider ganske triste verden vi befinner oss i. 

Marianne Heske var ekstremt banebrytende da hun allerede rundt 1983 avbildet naturlandskaper på en nyskapende måte ved å bruke datidens videoteknologi til å lage stillbilder. Heske videreutviklet så stillbildene digitalt, og laget trykk i storformat. 

Mountains of the Mind er del av en serie med det Heske kaller for videomalerier.

Serie på 3 motiver som handler om å være vitne og observere naturens magi. Det som ikke skapes, men som blir skapt. Kunstfoto

“Good News” ble laget og håndtrykket på Reykjavik, Island. Prosjektet er Jenny sitt første Risograph (En japansk trykke teknikk) og illustrasjonene viser til hendelser og personer i hennes eget liv. Som generelt i virket, baserer hun malerier og illustrasjoner på minner og faktiske mennesker. Hver enkelte bok i Good News er unik, både i farge og varier noe i hvilke illustrasjoner som er laget sammen. Tittelen og de lekne fargene er ment som en oppløftende kommentar til den ellers til tider ganske triste verden vi befinner oss i.

“Good News” ble laget og håndtrykket på Reykjavik, Island. Prosjektet er Jenny sitt første Risograph (En japansk trykke teknikk) og illustrasjonene viser til hendelser og personer i hennes eget liv. Som generelt i virket, baserer hun malerier og illustrasjoner på minner og faktiske mennesker. Hver enkelte bok i Good News er unik, både i farge og varier noe i hvilke illustrasjoner som er laget sammen. Tittelen og de lekne fargene er ment som en oppløftende kommentar til den ellers til tider ganske triste verden vi befinner oss i. 

“This scarf is perfect for accidentally slipping a little poison in your husband’s sunny side ups. Leave him face down on the floor while you leave for your early morning yoga. (New year, new you!)”

Sara debuterte i 2020 og er utdannet klesdesigner ved Kunsthøgskolen i Oslo. Hun har hatt arbeider på trykk i Novembre Magazine, arbeidet med sceneantrekk for flere artister og hatt en solo-­visning under Oslo Fushion. 

Sara vant folkets pris under Høstutstillingen i 2020.

Julie Hrnčířová was born in the Czech Republic. She is a young artist photographer living and working in Oslo. She graduated with a master degree in photography at the Ecole Nationale Supérieure de la Photographie in Arles, France, in 2018.

Leardini uses his unique aesthetic sensibility to capture the human body entwined with the timeless Scandinavian landscape.

Bildet er for meg knyttet til ordet “avtrykk” og handler om det personlige og intime i møtet med det anonyme. Motivet er inspirert av filmen Lost in Translation.

Jeg kalte bildet «a pensive mood», som oversetter til å sitte i dype tanker, tankefull. Det var kanskje tanken?

(Rom flaske, 3d print og akrylmaling)

Hvordan ville Captain Morgen sett ut i virkeligheten?

Man sier gjerne flaskehals om den smalere delen av en flaske, men hvor er egentlig hode?

Skulpturen i seg selv er mitt forsøk på å karakterisere en rom-drikkende person. Basert på prinsippet «man blir hva man spiser» overfører jeg dette til «man blir hva man drikker»

Dette er kanskje starten på en serie av forskjellige karakterer som er basert på flaske og innhold.

Verket Schizo Leaks ble laget i forbindelse med utstillingen SchizoLeaks #4 på Nils Aas Kunstsenter i 2019. Utstillingen er del av en serie utstillinger der Kvam stiller spørsmål ved de upubliserte notatene til Knut Hamsuns psykoanalytiker Dr. Johannes Irgens Strømme fra 1926. Tidligere utstillinger rundt prosjektet er Oseana Kunstsenter, Bergen 2018, Galerie Michael Janssen, Berlin, 2017 og QB Gallery, Oslo 2016.

Thomas Kvams kunstneriske og politiske undersøkelser åpner for en diskusjon rundt kunstnerens autonomi. Kan det selvbiografiske overskygge verket eller beriker det forståelsen av kunstnerskapet som helhet? Han har uttalt om prosjektet:

«Mitt prosjekt, er en stille aktivisme, og en litteraturhistorisk intervensjon, for å bringe samtalen videre. Og maleriene basert på psykoanalysen av Hamsun, er slik sett, monumentale meditasjoner over grenseområdet mellom det private og offentlige – hvor malerienes komposisjoner og strøk, danner juridiske og moralske problemflater: Har vi i det hele tatt rett til å lese disse dokumentene – er det ikke pasientjournaler? Og motsatt, hvem har rett til å begrense historieforskningens kildemateriale?»

Artist born in 1982 in London. Lives and works in London

Had an exhibition in 2018 named “I’m sorry I didn’t quite catch that” and was in 2017 a part of GIFC curated by Charlie Roberts, touring exhibition in more than 10 countries.

Giclée-trykk på 270 grams Canson PhotoGloss-papir klebet på aluminium, stålrammer

31,1 x 53,8 cm (pr. bilde, innrammet)

Unike trykk

2017

De to Giclée-trykkene Venetian Edibles (281 081 733 B) og Venetian Edibles (280 170 279 B) ble produsert til André Tehranis soloutstilling Hard Copy på galleriet MELK i Oslo i oktober 2017. Utstillingen omfattet blant annet av en serie med verker som besto av digitalt utskårede former med solfilm klebet på glassplater. Materialrestene etter denne billedserien — det vil si den overflødige plastfilmen som formene ble skåret ut av — ble deretter makulert og lagt på en skanner. Refleksvirkningene og det prismeaktige fargespillet i de to trykkene er ganske enkelt et resultat av at lyset fra skannerlampen produserer et uforutsigbart gjenskinn i avlesningen av reflekterende overflater. Tittelen Venetian Edibles hentyder til de sorte blekkfisk-spaghettien som er en regional spesialtet i Venezia og tallene i parentesene viser størrelsen på originalfilene i antall byte (dokumentenes eller "pastaens" vekt, med andre ord).

Lines - what we become when we exist separately from one another.

Renée van Hagen is an artist based in The Hague, the Netherlands, and graduated at the Royal Academy of Arts. Her work includes choreography, ceramics, photography and drawing, and are often displayed in multi-media installations.

Her interest lies in the different dynamics between self-awareness, bodily presence and space. With every medium she approaches the subject differently; choreography becomes the understanding of dynamics, photography acknowledgement of the dynamics, and drawing is often an emotional depiction of dynamics.

It was a study I made of a skull replica I have, done in acrylic gouache on stained paper

Disse bildene er lagd vått-i-vått på intuisjon i olje på kartong.

Som alt annet jeg lager antyder de et slags landskap, men dette er ikke steder du kan dra til. De eksisterer kun i ditt hode. Og kanskje det er det de er - indre landskaper.

My paintings utilize the female form and abstract painting language to create seemingly unrecognizable environments. I paint seeking an image that condenses and sharpens a poignant experience of what both artists and athletes call “being in the flow”. These painted states of consciousness relate to meditative practices as well as peak performances of physical activities and sports. The mind and the body are equal participants, yearning to coalesce into an expression of what it feels like to be human, feminine and deeply conscious.

I wanted to illustrate the Libra sign with a character trying to balance her mood swings and emotions, represented by the little rocks with faces.

Sverre Bjertnes (f. 1976) og Bjarne Melgaard (f. 1967) er blant Norges viktigste og mest sentrale samtidskunstnere. Begge med lange kunstutdannelser. Bjertnes er født og oppvokst i Trondheim og begynte som Odd Nerdrums elev allerede som tenåring. Hans første separatutstilling var i Bjarne Melgaards galleri ‘Norsk Anarkisk Fraksjon (NAF) i 2000. I senere tid samarbeidet Bjertnes tett med Melgaard hvor de delte atelierer i New York og hadde i løpet av den perioden fire utstillinger sammen. Braksuksessen og en av utstillingene deres ble kåret av The New York Times til «en av årets mest interessante utstillinger». Bjarne Melgaard er utdannet ved Statens Kunstakademi i Oslo, Jav van Edyck-akademiet i Maastricht og Rijksakademie i Amsterdam, og blir ofte forstått som ekspresjonist i tradisjonen etter Edvard Munch.

I deres ettertraktede samarbeid kan man se deres individuelle kunstneriske uttrykk på en måte som utfyller hverandre. Et merkverdig konsept de begge har utviklet over tid. Bortimot dobbelt så bra. Bjertnes og Melgaard har to sterke personligheter som begge kompromissløst følger egne kunstneriske mål, men som også komplimenterer hverandre. Innholdet er rått og følsomt på samme tid. De ulike tegnestilene kler hverandre, og i møtet med Sverre Bjertnes forførende strek får Melgaards grove og røffe uttrykk en helt ny kvalitet.

I denne serien har jeg lasergravert fotografier på papir som et utgangspunkt. Jeg søker til å transformere de med å påføre forskjellige ellementer som reagere på de spesifikke foto i en intuitivt og komponerende måte. Målet med disse verkene er å utvikle et autonom bildespråk for en rekke serier på kanvas med samme teknikken.

LRNCE is a Marrakesh based art-brand. It was founded in 2013 by Belgian sun chaser Laurence Leenaert, who revises materials’ purpose and spontaneously combines elements to create uniquely designed pieces. By sourcing its production in Morocco, LRNCE captures the essence of craftsmanship and stays close to the creating process of its carefully handmade products.

Roberts is a polymath, a cultural magpie. His various endeavours cross-pollinate, building myths amongst themselves. Roberts' works borrow from art-historical and pop cultural sources. His cramped paintings display the perspectival complexity of ancient Egyptian and Byzantine painting. The contents are stacked one above the other, showing different views simultaneously. Roberts is fearless in his approach to subject, style and technique. The result is full of energy, determination and a unique expression which draws on the illusion of the good life and shows a fascination of hip-hop culture. The subject matter, utterly contemporary, banal and everyday is at odds with the delicacy of the medium they are made in. Watercolour on paper, over a painted pink ground which unifies the overall image and brings harmonious tonal order to the chaotic scenarios. His wide-ranging practice also encompasses sculptures roughly carved from chunks of local trees and painted, sitting somewhere between tribal objects, folk art and pop-cultural figures.

Two color silkscreen print

70 x 100 cm

En del av forarbeidet for utstillingen Long Lust Love. Innkjøpt på GIFC på Galleri Golsa.

Lust is the brother of greed, the mother of joy and the evil stepdad of love. Your lust is bigger for those who do not resemble yourself. It’s your instincts speaking for you, taking the word —lashing out.

It’s not your fault.

Self-relatedness is a cue of kinship and decreases allure and desire in a person, while less resemblance increases attractiveness and sexual drive, creating the possibility of lust.

Relax, it’s not you speaking. It’s your instincts.

Lust is the twin sister of looking. Walk hand in hand with her down the Boulevard of Desires. The boulevard to lust, the ultimate satisfaction: possessing the long lust love.

If only in your imagination.

You don’t need a celibate body, you need a celibate mind. I can take you there. Walk with me. Look at me. It is just a click away and you are connected.

Connecting.

Hey! How r u?

Silketrykket er trykket på Arches White 300 g papir på PS Serigrafi i Trondheim.

Verket Big Data av Thomas Kvam var del av utstillingen Natural Born Pollock på QB Gallery i 2014. Motivet baserer seg på et maleri med samme navn.

Big Data tar for seg en høyaktuell tematikk rundt våre ytre liv, betegnelsen på vår tids store online informasjonsstrøm og hvordan oppførselen vår følges på nett. Programmerer, internettaktivist, journalist og grunnlegger av WikiLeaks Julian Asange figurerer i motivet, og big data blir beskrevet som vår tids phrenologi. Prenologi var populært på 1800-tallet, og var en måte å definere en person på ut ifra hodeformen deres. På samme måte stilles det her spørsmål om man kan definere en person via deres digitale liv.

Har ikke noe teknikker, jeg maler fritt uten planlegging. Vil at min prosess skal være så ærlig som mulig, som vi mennesker er.

The Things We Think and want to do. But we don’t do it. What is stopping you/us?

2009

Bildet er gjort i en overgangsperiode mellom to stilperioder. Organisk, men stramt komponert.

“Brettekantene” viser at det kun er snakk om et falmende klistremerke.Samurai figuren fremstilles fremadstormende, energisk og actionfylt på en gøyal måte men samtidig kan den oppleves truende.

50x70cm on 300g paper

Screen printed by hand

Limited Edition of 35

Signed and numbered

"I think not" are two blind drawings of a man in "the thinker" pose. The contrast in this piece comes from the model thinking really hard about something and me not thinking at all while drawing it. Hand printed in two colors on chalk colored paper.

Negativ abrasjon 2: Ei ulmande pipe (2019)

Digitalgrafikk

100 × 70 cm

Abrasjonar er ein del av den kontinuerlege, saktegåande erosjonen som føregår på jorda si overflate. La thraison des images (1929) er eit kjent malerie av nelgiske René Margritte (1898-1967). Maleriet viser ei pipe over teksten "Ceci nést pas un pipe".

Dette er et av flere bilder i en serie med “imaginære, botaniske studier” der jeg har tatt utgangspunkt i symbolske planter. Jeg lekt videre med min fascinasjon for intrikate rotsystemer, og likheten mellom disse og elektriske kabler. Begge er årer eller transportveien av liv og informasjon, men ligger også i løkker og knuter som også kan være kvelende og dermed det motsatt av livgivende. Tvetydigheten av dette synes jeg er svært interessant.

Svart steingodsleire

Basert på utrykket «Hold it together» handler denne skulpturen mye om å opprettholde et inntrykk. Personen som knyter armene sine rundt kroppen prøver på mange måter å kneble seg selv og sine følelser.--

Dette er en del av en todelt serie som fremdeles er pågående. Den heter Flowers of Romance & Decadence og Flowers of Hope and Despair. Prosjektet handler om hvordan vi bruker blomster i vår hverdag og hva de symboliserer for oss. Noen arter symboliser Kjærlighet mens andre symbolisere, svik eller død. Jeg har villet bruke blomster som symboler på vårt overforbruk, frykten for å eldes, og ikke bli elsket, vår opphøyelse av det perfekte ytre, materialismen, religion, sorg og lykke. Dette bildet er fra Flowers of Hope and Despair og har tittelen: Aged but potent.

Giclée-trykk på 270 grams Canson PhotoGloss-papir klebet på aluminium, stålrammer

31,1 x 53,8 cm (pr. bilde, innrammet)

Unike trykk

2017

De to Giclée-trykkene Venetian Edibles (281 081 733 B) og Venetian Edibles (280 170 279 B) ble produsert til André Tehranis soloutstilling Hard Copy på galleriet MELK i Oslo i oktober 2017. Utstillingen omfattet blant annet av en serie med verker som besto av digitalt utskårede former med solfilm klebet på glassplater. Materialrestene etter denne billedserien — det vil si den overflødige plastfilmen som formene ble skåret ut av — ble deretter makulert og lagt på en skanner. Refleksvirkningene og det prismeaktige fargespillet i de to trykkene er ganske enkelt et resultat av at lyset fra skannerlampen produserer et uforutsigbart gjenskinn i avlesningen av reflekterende overflater. Tittelen Venetian Edibles hentyder til de sorte blekkfisk-spaghettien som er en regional spesialtet i Venezia og tallene i parentesene viser størrelsen på originalfilene i antall byte (dokumentenes eller "pastaens" vekt, med andre ord).

Two color silkscreen print

70 x 100 cm

En del av forarbeidet for utstillingen Long Lust Love. Innkjøpt på GIFC på Galleri Golsa.

Lust is the brother of greed, the mother of joy and the evil stepdad of love. Your lust is bigger for those who do not resemble yourself. It’s your instincts speaking for you, taking the word —lashing out.

It’s not your fault.

Self-relatedness is a cue of kinship and decreases allure and desire in a person, while less resemblance increases attractiveness and sexual drive, creating the possibility of lust.

Relax, it’s not you speaking. It’s your instincts.

Lust is the twin sister of looking. Walk hand in hand with her down the Boulevard of Desires. The boulevard to lust, the ultimate satisfaction: possessing the long lust love.

If only in your imagination.

You don’t need a celibate body, you need a celibate mind. I can take you there. Walk with me. Look at me. It is just a click away and you are connected.

Connecting.

Hey! How r u?

I denne serien har jeg lasergravert fotografier på papir som et utgangspunkt. Jeg søker til å transformere de med å påføre forskjellige ellementer som reagere på de spesifikke foto i en intuitivt og komponerende måte. Målet med disse verkene er å utvikle et autonom bildespråk for en rekke serier på kanvas med samme teknikken.

70x100cm on 300g chalk colored paper

Screen printed by hand

Limited edition of 35

Signed and numbered

One in a series of vintage workers in this graphic style. I am fascinated with social realism from the 1930s and it reminds me how good we have it these days. Nothing like a bit of manual labour in this internet era.

Silketrykk

50X70cm

2015

Ei fyrstikk er ein liten pinne av tre eller kartong, med ein hovud i den eine enden som kan antennast gjennom friksjon.

Photo

Dette er en del av en todelt serie som fremdeles er pågående. Den heter Flowers of Romance & Decadence og Flowers of Hope and Despair. Prosjektet handler om hvordan vi bruker blomster i vår hverdag og hva de symboliserer for oss. Noen arter symboliser Kjærlighet mens andre symbolisere, svik eller død. Jeg har villet bruke blomster som symboler på vårt overforbruk, frykten for å eldes, og ikke bli elsket, vår opphøyelse av det perfekte ytre, materialismen, religion, sorg og lykke. Det første bildet er fra Flowers of Romance & Decadence serien og heter Crowded but lonely og bilde to er Flowers of Hope and Despair og har tittelen: Aged but potent.

Silketrykk

Mål med ramme: 79 x 108,5 cm

Jeg er svært glad i å jobbe med motsetninger i arbeidene mine, og maskiner versus natur og dyr er et spennende og gjentagende tema. Omfavner dyret og maskinen hverandre, eller river de hvarandre i stykker? I nåtiden har vi vanskeligheter for å se for oss en hverdag uten elektroniske hjelpemidler og vi lever nærmest i symbiose med disse. Tolk gjerne bildet som mennesket / naturen og framtiden - men, om dette er en konflikt eller en symbiose mellom disse vil jeg overlate til tilskueren.

Litografi trykket på BFK Rives

2018

100 (solgt til Norsk Forening for Grafisk Kunst) + 10 merket I-X

40 x 50 cm (papir), 33 x 41.5 (motiv)

Gjennom mine litografiportretter funderer jeg over ulike kulturelle oppfatninger om fotografiets relasjon til liv og død. Min norske familie betraktet foto som en måte å huske og hedre levd liv på. Min kinesiske bestemor derimot, klippet min avdøde bestefar ut av bryllupsbildet deres og sa at foto av de døde brakte ulykke og dårlig feng shui. Litografisilhuettene mine ble et symbol på konflikten mellom bestemors ønske om å slette og mitt behov for å huske og bevare. De er et kompromiss mellom fravær og tilstedeværelse, der de gir assosiasjoner til forråtnelse, men også til monumenter eller saltstøtter som forsøker å bestå tidens tann.

Silketrykk

50x70cm

2015

Ei rulletrapp er ein konstruksjon beståande av ei endelaus rekke trappetrinn, som blir drive rundt elektrisk, i den meining å frakta folk opp eller ned trappa på eit vis som minimerer bruk av fysisk energi. Dei fyrste rulletrappene blir tekne i bruk i 1896 (i USA, sjølvsagt). Same år prøver også Italia utan hell å erobra Etiopia, Edvard much malar Løsrivelse, Nikolai den andre blir tsar i Russland, og dei aller fyrste, moderne olympiske leikar blir haldne i Athen.

Cyanotypi

50 x 70 cm

Signed and numbered

Motivet «Cyanotypi 1.0» er et soltrykk, fremkalt på den lille øya Utsira i Nordsjøen. Cyanotypi er en fotografisk trykketeknikk basert på en lysfølsom emulsjon som reagerer på ultrafiolett lys - som sol.

Tanken bak var å vise vippepunktet mellom lek og alvor;pistolfiguren, slik jeg ser det, representerer en tom trussel selv om den ser potensiell farlig ut.

D.G.A.

70x100cm

2019

Abrasjonar er ein del av den kontinuerlege, saktegåande erosjonen som føregår på jorda si overflate. Naturvernforbundet anslår at rundt 3000 dyr, planter og andre artar er trua i Noreg, på grunn av oss menneske.

100x53 cm on Munken Cream Rough 300g paper

Screenprinted by hand

Limited edition of 25 each color

Signed and numbered

No standard frame size

A scene from Sørenga in Oslo in classic proportions with funky patterns and the local Barcode skyline in the background. This is a crowded area in summer where it´s very popular to go for a swim right in the middle of the city. The bold linework and patterns give this piece both a modern and retro feel. Inspired by early century social realism that often depicts "the working class" in public spaces. Handprinted in two color variations, ochre yellow and grey blue.

Limited edition of 200

50 x 70 cm

Pencil on paper

Signed and numbered

«Bauhaus 1.0» utforsker balansen mellom det figurative og abstrakte.

Svart steingodsleire, tre og farget lær

Hva skjedde egentlig når neandertalerne ble utryddet og homo sapiens fortsatte utviklingen alene? Det er mange teorier knyttet opp mot hvorfor neandertalerne døde ut. Noen mener grunnen var klimaendringer, andre mener de var lite konkurransedyktige i forhold til jaktmarker og tilgang til den beste maten. En annen teori er at de ble utsatt for et brutalt folkemord av homo sapiens. Min skulptur belyser nettopp denne teorien og er på mange måter et stillbilde i tid, en imaginær fossil.

Jeg er også glad i å lage hodeskaller.

Tittel : Look Beyond the Surface
Papirstørrelse : 66 x 49 cm
Edisjon : 70
Teknikk : Digital trykk

Look beyond the surface - Jeg filosoferer rundt temaet «alt henger sammen med alt»og det er mer bak overflaten enn det ved første øyekast. Jeg forsøker å alltid være undrende, nysgjerrig og spørrende til det jeg ser og hører. Filosofisk og poetisk lyttende til verden.

Tittel : Untitled
Papirstørrelse : 59x79 cm 
Edisjon : 90  
Teknikk : Silketrykk

Tittel : Blood, Milk & Honey
Papirstørrelse : 62 x 44.5 cm
Edisjon : 50
Teknikk : Linosnitt

Begreper knyttet til identitet, opphav, omsorg, savn, minner og hukommelse er noen av gjennomgangstemaene i motivene til Gro Mukta Holter. Det er de mellommenneskelige faktorene hun ønsker å rette blikket mot med sin kunst. Prosjektet Blood Milk and Honey tok utgangspunkt i fellesnevneren vi alle har i livet, at vi alle kommer fra en livmor. Bildet retter fokus mot de ulike nyansene som finnes i forholdet til mor eller minne man har om henne.

Tittel : Yew 1938 - 2018 ( Hvit ) 
Papirstørrelse : 70x70cm
Edisjon : 15
Teknikk : Silketrykk 
Tekst : «My life seemed to be a series of events and accidents. Yet when I look back, I see a pattern.» - Benoit Mandelbrot, 1979

Inspirasjon : With “Fractal” it was really the tree that inspired the theme, and not the other way around. Staring at the twisting shapes and patterns of the yew tree draws you in and creates an almost hypnotic effect, similar to that of watching the infinite loops of a Mandelbrot Zoom. The discovery of fractals is as influential to the field of mathematics as it is a sure YouTube wormhole for weak-minded.

Tittel : No One But Death Shall Part Us
Papirstørrelse : 70x70 cm
Edisjon : /80
Teknikk : Pigment trykk på 308 gsm fine art papir, 2018.

No one but Death Shall Part us was a commission for the debut album of As Lions, the new band of Iron Maidens Bruce Dickinson’s son Austin. The band wanted a rebrand and softer image for their alternative metal band as they had all formerly been members of Rise to Remain. Juxtaposing the blue background florals with the skull achieved a modern take on a metal band album cover for their album Selfish Age.

Teknikk Giclée

Opplag 60

Signert Ja

Motivformat 40 x 53 cm

Format 52 x 62 cm

Målningarna handlar om likheterna mellan människan och apor och Bobo skapar färgglad konst som uttrycker detta. Cut the ties består av ett 33 st oljemålningar i varierande storlekar,

-Med mycket färg och glädje målar jag färgstarka apor, för att visa på våra likheter och även olikheter då aporna trots allt lever i symbios med naturen istället för av den. Schimpanser kommunicerar på ett sätt som liknar mänskliga icke verbala uttryck, med ljud, handgester och ansiktsuttryck. Förutom ord och ljud använder vi oss av ett sedan länge utvecklat system med kläder och accessoarer för att snabbt kommunicera vår sociala tillhörighet och status, avslutter Bobo Wallmansson om hans skapande.

Tittel : Jarred Couple of Pines

Papirstørrelse : Small ( 24x21cm) Medium (46x41cm) Large (81x71cm)

Edisjon : Small x/70 Medium x/20 Large x/6 

Teknikk : Pigment trykk på Hahnemühle 310 gsm fineart papir

Signert og nummerert av kunstner

For a year Relander has been double exposing landscapes into mason jars, this to realize a childish dream. He plays with the idea of being an ambitious collector conserving his environments into a large personal collection. Most landscapes are from where he grew up, in the countryside in the south of Finland, where Relander's roots still lie. After becoming father separation anxiety to his own childhood absorbed him into this project.

With analog multiple exposures, Relander is able to manipulate his film in-camera—this project was not created or manipulated in an external software such as Photoshop. All double exposures are exposed on medium format film that Relander develop and scan himself.